jueves, 20 de septiembre de 2012

NOIR


¿En qué música piensas si hablamos del género negro? En jazz, por supuesto, en saxos gimiendo en mitad de la noche, escapando de una ventana mal iluminada en un callejón sucio y sórdido. Esto es así. Pero en nuestro rock n roll también encontramos referencias al noir, ya sea por temática, por alusiones o por, oh sí, sensaciones. Por ejemplo, canciones en las que el protagonista es un detective, como Private Detective, de Gene Vincent, en la que un pichabrava se liga a una femme fatale que resulta ser una detective contratada por su esposa. Auch!. O la mítica versión de Bad Detective el tema de los Coasters que se marcaron los New York Dolls en su segundo disco, títulado, con tino y profético acierto, Too Much Too Soon.


 
Demasiado y demasiado pronto

Después tenemos canciones que si bien no tratan directamente la serie negra encajan cual guante en la categoría; se me ocurren ejemplos como Sister Ray, el tema que cierra White Light White Heat, o ¿qué os parece Frankie Teardrop de Suicide? Un desesperantemente agónico tema que narra el crimen-castigo de Francisco el Lágrima. Curioso; Nick Hornby incluye este tema en sus 31 Canciones reconociendo que solo escuchó el tema 1 vez (!!), y es que se puede hacer dura, la experiencia. O qué puede ser más noir que Country Dead Song, el tema que abría el segundo disco de los Violent Femmes (que ya rememoran el género con su propio nombre), una tiern afábula en la que un padre arroja a su hija a un pozo y luego se ahorca. Muy negro.



TVE. Flipa.

Y no podemos despedir esto sin hablar del DISCO que resume, contiene y glorifica todo esto: Black Love, editado en 1996 por unos Afghan Whigs en estado de gracia (después de publicar Gentleman) y que es la banda sonora de una película que nunca se rodó; Greg Dulli se metió con un guión basado, según él, en las novelas de James Ellroy, las fotografías de Weegee y Sangre Fácil, de los Cohen. El guión se atascó, de manera que las ideas fueron a parar a las letras del disco, que abunda en obsesiones, secretos, miseria, angustia, asesinato, culpa y paranoia, como cualquier hard boiled que se precie. Y musicalmente, crema; rock nervioso y ese regusto soulero en la voz de Dulli. En esas noches beodas que se alargan suelo proclamar que es el mejor disco de los 90; una mala costumbre que tengo.






lunes, 3 de septiembre de 2012

CREED ES DIOS



No, lo digo en serio, D-I-O-S, los mejores momentos de The Office coinciden siempre con sus  atómicas intervenciones. Idolo absoluto.

sábado, 1 de septiembre de 2012

SUCKERPUNCH



A pesar de ser esperado y previsible, el cierre de Carne Cruda me escuece, y cómo. Nos lo olíamos, pero  se habían hecho promesas desde la dirección (sorprendentemente el programa continuaba en septiembre), y, aunque con la mosca detrás de la oreja, esperaba (esperábamos) la nueva etapa del programa con ganazas; y es que para mí, Carne Cruda ha sido la mejor escuela y una fuente continua de diversión; confieso, a toro pasado, que el tono quejica y amargado era parte del papel, en realidad durante estos tres años me lo he pasado teta. En fin, a estas alturas ya conocéis la forma chapucera y traicionera de cerrar el programa y los motivos esgrimidos por el flamante nuevo capo de la casa, toda la información ha sido aireada y está al alcance de todos, que cada cual saque sus propias conclusiones. Solo voy a decir que ha sido un orgullo formar parte del equipo de Carne Cruda, que voy a echar de menos El Club De Jazz y La Isla de los Discos Perdidos, fuentes inagotables de musicaza y risas, incluso al Sr Gallego (ah, dejadme en paz, estoy sensible). Carretera Perdida por su parte sigue su tortuoso curso en Radio Enlace, en unos días os cuento más cosas. Que la radio os acompañe, amigos.

jueves, 14 de junio de 2012

THE CULT OF RAY

Vaya racha, amiguetes, esto de las elegías se vuelve deprimente, pero qué se le va a hacer, hay genios genuínos a los que no se debe ignorar; hace semanas le tocaba el turno a Ray Bradbury, uno de los escritores que menos discusiones levanta en cuanto a su grandeza(y gracias al cielo eso que nos ahorramos) . La influencia de Bradbury en el mundo de la música fue también notoria; Frank Black, orondo líder de los Pixies comentaba que en el instituto escribió relatos cortos basados en la obra de Bradbury animado por su profesora de literatura (lo mismito que a nosotros, me imagino, que nos hacían leer La Regenta con 11 años) y que procuraba acudir a todas las apariciones públicas del hombre; incluso comenta que una vez consiguió su autógrafo y se quedo balbuceando, cual fan emocionado. En los discos de los Pixies hay alguna referencia al mundo de Bradbury y lbastantes a la ciencia ficción en general pero en 1996 tituló su tercer disco en solitario The Cult Of Ray; y no es precisamente su mejor disco, de hecho flojea considerablemente pero como siempre nos endilga temas bastante potentes (como el single Men In Black).


Ahí va una rareza. En 1967 Bob Jacobs, un músico y poeta de San Francisco (ups!) manda a Bradbury una canción basada en uno de los relatos de El País de Octubre. Bradbury, agradecido como era, le agradece el gesto: motivado, (no sabías dónde te metías, eh Ray?) Bob Jacobs se lanza a grabar una obra conceptual basada en los relatos del libro. Sí, ya sé que he dicho San Francisco, poeta, años 60 y obra conceptual,pero por favor, sigue leyendo. El resultado es, digamos, difícil de describir; un pop rock psicodélico orquestado y barroco no apto para todos los públicos, llegando al exceso en ocasiones, con unas letras psicotrónicas y marcianas. Si os quedáis intrigados haceos con Dark carnival (1969) pero luego no me vengáis pidiendo explicaciones.

Otro de los fans de Ray Bradbury en el mundo de la música es el batería de Rush Neil Peart. En general Rush son una de las conexiones más claras entre el mundo del Sci Fi y el rocknroll. En 1984 en su album Grace Under Pressure incluían un tema llamado The Body Electric, basado en un relato de Bradbury que a su vez estaba basado en  un poema de Whitman, llamado I sing the Body Electric. El tema trata de humanoides, androides, fallos de sistema,  sobrecargas de datos,vamos, más en común con Bradbury que con Whitman, seguro.

Rush, rarunos siempre.


Otro que se basó en una obra de Bradbury para construir uno de sus mejores temas fue Elton John, o más bien Bernie Taupin, colaborador y letrista de Elton en sus buenos tiempos. El tema es el mítico Rocket Man del 72 y está basado en un relato del mismo título incluido en El Hombre Ilustrado. El tema trata de las emociones encontradas de un astronauta ante su partida, entre dejar a su familia y surcar los espacios. Cuando Elton lanzó el tema (incluido en Honky Chateau, un discazo monumental) la temática espacial Glam estaba en todo lo alto  gracias a Space Oddity de Bowie y el rollo marciano fantasioso de Bolan y T Rex, de manera que el single fue un exitazo en Reino Unido, y no tiene nada que ver con las posteriores baladas pianísticas del bueno de Elton. Porque hay que recordar que antes de ser mono de feria de la Familia Real Británica, Elton era E-N-O-R-M-E.

Elton cuando molaba.


Y el highlight de los temas basados en la figura de Bradbury es sin duda este Fuck Me Ray Bradbury( ámame carnalmente Ray Bradbury) de la humorista americana Rachel Bloom. La señorita Bloom le dedicó este tema a Ray en su nonagésimo cumpleaños, con una letra cuyas intenciones no dejan mucho lugar a la imagiación con un videoclip descacharrante. El cachondo de John Landis, amiguete de Bradbury, descubrió esto y se lo hizo llegar a Ray, e inmortalizó el momento en una foto que circula por Internet, en la que no se sabe si el gesto de Bradbury es de estupor o lujuria o las dos cosas.
Amame Ray Bradbury, el escritor de Ciencia Ficción más grande de la historia, canta, pizpireta, Rachel Bloom

Ray no se lo puede creer.

 

jueves, 24 de mayo de 2012

CORTITA Y AL PIE

Singular, el mundo de las canciones. Puede uno disfrutar como un gorrino de extensas jams de veintipico minutos (ese Mountain Jam de los Allmans en el Filmore) o tararear durante apenas dos minutos con Buddy Holly. Pero, por debajo de eso, ¿es posible hacer algo bueno y decente? Pues sí, amigos, o por lo menos hacer algo divertido. Y siempre me viene a la cabeza Her Majesty, último tema en la discografía beatle, o aquella preciosidad llamada Elizabeth My Dear que los Stone Roses grabaron para su primer (y, ay!, muy lejano) disco.


Los ramonianos os acordaréis del Loco Live aquel hipervitaminado directo en la Bikini de Barcelona en el que fusilaban tema tras tema a velocidad supersónica. Quiero decir, los temas de los Ramones (Ra-mo-nes, nunca Ramouns) ya son cortos de por sí, pero en esta gira imprimieron tal caña que los dejaban casi a la mitad de duración. Qué grandes eran, coño. Esto también lo pensaba Lemmy, que en tierno homenaje les grabó en aquel desigual 1916 (del año 91) el tema llamado R.A.M.O.N.E.S (con un estribillo antológico que te hace querer berrear como un mongoloide; “Misfits, Twilight Zone, R.A.M.O.N.E.S !”

Onetwothreefour y a correr

Otro tema de apenas un minuto con mucho dónde rascar es Whats’s the ugliest part of your boby?, que sólo por el título ya merece estudio. Grabada por Zappa y The Mothers Of Invention en el We’re Only In It For The Money (otro gran título), esa obra pretendidamente ”accessible” donde satiriza con saña la contracultura de los 60 (y lo relativo al flower power y al Sgt Pepper) y la política de por entonces. En este “Cuál es la parte más fea de tu cuerpo?” usa con sorna el doo woop para contarnos que la parte más fea no es la nariz o los dedos de los pies, sino la mente. Ah, bueno.


Y para terminar esta cachondada que se marcaron Napalm Death (estrellas del Primavera Sound, yo F-L-I-P-O) en su debut, Scum. Poco más de un segundo en lo que es la canción más corta de la historia. Y es que el disco tiene 28 (!) temas en apenas 23 (¡!!!) minutos, y lo recuerdo perfectamente porque cuando me lo grabé en cassette tuve que ingeniar un apéndice al papelito de la TDK para que cupiesen los dichosos títulos (además de reproducir fielmente el logo aquel de la banda en el lomo de la cinta). En fin, atentos, ahí va.
Prepárate un sabroso cóctel, ponte cómodo y disfruta.
You suffer.

jueves, 26 de abril de 2012

LEVON


Levon, maldita sea, al final te fuiste. Ya me lo temía, las noticias de tu familia eran poco alentadoras, pero, no sé, esperaba que volvieses a derrotar a ese maldito cáncer. Y se me hace un nudo en la garganta cuando vuelvo a escuchar El Último Vals o , qué mas da, cualquier disco de The Band, o los tres últimos discazos que sacaste en solitario. Maldita sea, Levon, siempre he dicho que tú eras The Band, entre los Robertsonistas y los Helmistas yo me ponía de parte del único miembro de La Banda nacido en EEUU, y aunque Robbie compusiese casi todos los temas tú eras el jefe, con ese aspecto de granjero cascarrabias y esa voz aguardentosa para contarnos las historias del viejo sur. Maldita sea, Levon, ya sé que no eras perfecto, que te fue corroyendo la envidia y la mala baba cuando Robbie se juntaba con Dylan, con los poetas beats, con la gente de Hollywood, acuérdate que tú también perdiste el culo por salir en películas y que (joder, Levon, maldita sea) hiciste una con Steven Seagal! Pero me gustó que te largases cuando te abucheaban en la gira del 66 con Zimmerman,  olé tus huevos, para irte a trabajar en una estación petrolera. Y te aplaudo por haberte mantenido siempre fiel a tus raíces.  Levon, Levon… tú sabes la de veces que me he preguntado “¿Cómo puede tocar así y cantar a la vez?”, sabes cuántas veces he estado a punto de echar la lagrimilla al escuchar Dixie Down en el Último Vals, sabes lo que me produce el groove de King Harvest, ¿lo sabes?, maldita sea, claro que no.
El caso es que, Levon (goddamnit) al final te fuiste y nos quedamos huérfanos, eras el más grande, y ahora cada vez que escuche esto se me va a ir la lágrima. Descansa en paz, maldita sea.


So long, Dirt farmer

miércoles, 18 de abril de 2012

EL DIABLO Y EL BIPOLAR

Un caso curioso el de Daniel Johnston, un señor de lo más peculiar con un estilo tan naif que cuando te enfrentas a su música te sientes en cierto modo incómodo, hay una desnudez emocional que te deja tiritando. Es un tipo muy especial; para empezar y quizá lo que define su arte es un cuadro maniaco depresivo crónico, unido a la bipolaridad; esto lógicamente le ha condicionado en todos los aspectos de su arte, y es quizá lo que le diferencia de otros genios tocados por la locura, en el caso de Johnston parece que la locura conduce a la genialidad, y no el cas contrario (por ejemplo Syd Barrett). Pero
¿quién es Daniel Johnston? Su carrera comienza a finales de los 70 cuando empieza a grabar cintas de cassette en el sotano de la casa de sus padres en Virginia, con unos medios muy rudimentarios (con un teclado, percusiones caseras y su peculiar voz). Los temas giran en torno a sus obsesiones que son Casper el fantasma, los superhéroes de DC ,una chica llamada Laurie de la que está enamorado platónicamente (y que, por supuesto, pasa de él) y la religión y en especial el Diablo, al que teme como solo un paranoico puede hacerlo. A mediados de los 80 gana cierta popularidad, (via MTV cuando la cadena aún programaba música, y tal) se le compara con genios con avería tipo Brian Wilson o Roky Erikson. Pero durante un vuelo en avioneta junto a su padre algo le pasa por la cabeza (un episodio maniaco, con el diablo implicado) y ataca a su padre que pilotaba y bueno, a punto están de no contarlo; arranca las llaves de contacto de la avioneta y las arroja por la ventana, intenta estrangular a su pobre viejo, muy mal todo. Le ingresan en un hospital psiquiátrico (naturalmenta)y le diagnostican este cuadro maniaco depresivo. Durante su ingreso en el hospital realiza un programa especial de radio por teléfono que es un exitazo underground que hace que toda la generación indie noventera le tome como nuevo mesías (las gentes de Eels, Butthole Surfers, etc..). y a lo largo de los 90 la popularidad de Johnston crece y crece a pesar de estar confinado en un hospital psiquiátrico; uno de los motivos era que Kurt Cobain llevaba una camiseta con la portada de Hi How are You y ya sabemos la repercusión de cada gesto del rubio suicida. Las discográficas se daban tortas por ficharle, pero Atlantic que fueron los que se llevaron el gato al agua, aunque pronto vieron que no era muy fiable, solo grabó un disco con ellos, Fun en el 94, producido por Paul Leary de Butthole Surfers. Lo cachondo es que se negó a firmar con Elektra porque no quería compartir sello con Metallica, porque estaban poseídos por Satanás y le iban a hecer daño. Otra vez el diablo y Daniel Johnston.  
La figura de Johnston se hizo pública y popular en estos años 90 y posteriormente a través del documental The Devil and Daniel Johnston, rodado en el 2005 por Jeff Feuerzeig que es un biopic exhaustivo sobre la vida y la obra de Johnston, con miles de entrevistas a gente de su entorno y esos fragmentos hablados del propio Johnston que hace que te metas en su cabeza, parece que estás viendo Taxi Driver, la misma sensación inquietante de enfrentarte a una mente perturbada.
Los últimos años parecen haber traído cierta calma y sosiego a Johnston, ahora vive solo en una casa pegada a la de sus padres, expone su arte (porque el tipo además es dibujante y pintor) y gira con regularidad, es considerado como un genio multidisciplinar y hasta Converse se planteó hacer un modelo All Star basado en él, y, amigo, cuando Converse quiere hacer unas Chuck Taylor basadas en tí es que ya eres leyenda.

Genio con avería versión 2.0

lunes, 16 de abril de 2012

ALGO QUE VER CON LA MUERTE


“Who are You!?” le pregunta varias veces Henry Fonda a Charles Bronson durante Hasta Que Llegó Su Hora (Once Upon A Time In The West, Sergio Leone 1968). Al principio con cierta sorna, más tarde con inquietud, al final con verdadero miedo en los ojos; esos ojos de azul pálido que hielan la sangre, la imagen perfecta de la muerte. Y es que toda la película gira en torno a eso, a la muerte, desde el principio sabes que los personajes están abocados a enfrentarse a ella, el montaje, la música, los gestos; como dicen por ahí Something To Do With Death (algo que ver con la muerte, título también de la irregular y a ratos latosa biografía de Christopher Frayling sobre Sergio Leone).
Viendo Hasta Que Llegó Su Hora tienes la sensación de estar en la Opera, (una danza de la muerte, como decía Leone) cada personaje tiene su propio tema musical, la presentación de cada uno es teatral y dramática to the max y la música acompaña continuamente a la trama como si se tratase de una coreografía; la banda sonora, oh sí, por supuesto, es obra de Morricone. Decía que la película gira en torno a la muerte, al menos en cuanto a los personajes masculinos se trata (Fonda, Bronson y Jason Robbards), representantes del viejo mundo del oeste (el asesino, el pistolero misterioso y el ladrón) que se ven desplazados ante la llegada de la civilización en forma de ferrocarril. El primer personaje femenino en la obra de Leone es Jill (Claudia Cardinale) y es curiosamente la que trae la vida (el agua), y con ello se cepilla el antiguo orden.  Han acusado a Hasta Que Llegó Su Hora de ser manierista, aburrida, demasiado larga, demasiado ambiciosa…pero ya sabemos que el mundo de la crítica cinematográfica está plagado de plumillas acomplejados; es el mejor ejemplo de western crepuscular (y mira que me rechina lo de crepuscular), donde todo encaja, guión robusto, dirección perfecta y  cuatro actores en estado de gracia. Una jodida obra maestra.

jueves, 12 de abril de 2012

A TIRO LIMPIO

Mark David Chapman: Hijodeputa

Hoy hablamos de músicos tiroteados, sí, morboso, lo sé, pero así es Carretera Perdida, amiguito. Y es que hay una larga y triste lista de músicos que acabaron sus días asesinados a tiros; el caso más celebérrimo es el de Lennon; o el de TuPac Shakur. Al menos serían los que más trascendencia tuvieron. Pero también hay secundarios que se fueron con plomo en el cuerpo, como Floyd Mooseman Roberts, bajista de Body Count, ese experimento hardcore de Ice T, y que también grabó el que posiblemente sea último gran disco de Iggy Pop, Beat Em Uo, del año 2001. Al poco de terminar la grabación y mientras salía de una tienda fue tiroteado en un clásico Drive-by shooting, tristemente famosos en L.A.
Otros casos tristemente célebres serían el de Marvin Gaye, asesinado por su propio padre, un fanático religioso con el que se había tenido más de una pelea. Lo irónico del caso es que Marvin Gaye le había regalado esa pistola cuatro meses antes y en esta ocasión la pelea era entre los padres de Marvin, él solo intervino para separarles y se llevó un tiro (Mala idea regalarle una pistola a nadie, Marvin). Otro icono de la música negra muerto a tiros fue Sam Cooke, asesinado en extrañas circunstancias en un hotel en Los Angeles por la encargada. La historia oficial es que Sam Cooke perseguía a una mujer en estado de embriaguez y esta señora Bertha Franklin decidió que lo mejor era freirlo a tiros allí mismo, en defensa propia según ella; siempre ha habido teorías conspiratorias sobre lo que realmente pasó allí, (la señora Franklin cambió su versión cuatro veces); se especula que la progresiva radicalización social de Cooke hizo que el FBI le considerase peligroso; también se dice que su compañía RCA estaba detrás del asunto, e incluso hay una teoría que apunta a su ex mujer y nada menos que a Bobby Womack (que se casó con ella a los tres meses de la muerte de Cooke) En fin, lo que nos queda es la música de Sam Cooke, como este fabuloso Chain Gang.


Record Guiness en clase y talento

El 8 de diciembre del 2004 un tal Nathan Gale se subió al escenario durante un concierto de Damageplan y disparó tres veces en la cabeza a Dimebag Darrell, ex guitarrista de Pantera. No contento con esto el tipo siguió disparando a todo lo que se movía matando a un total de cuatro personas e hiriendo a siete, hasta que un policía de paisano que estaba entre el público se lo cepilló de un disparo. ¿Motivos? Parece ser que el individuo estaba disgustado por la separación de Pantera y no veía con buenos ojos que Darrell montase un nuevo grupo, así que decidió cargárselo. Lo más terrible es que fuese durante un concierto, con el músico totalmente indefenso mientras tocaba. Y más triste todavía porque Dimebag Darrell era para mi gusto uno de los  guitarristas de heavy metal con mejor gusto y con un estilo propio y original, de hecho Pantera cambiaron el panorama heavy de los 90 a base de discazos; el más famoso Vulgar Display Of Power, que era justamente eso, una vulgar demostración de poder, y que se iniciaba con este robusto Mouth For War.

Otra vulgar demostración de poder






lunes, 9 de abril de 2012

HIDDEN TRACKS, SORPRESITAS.

Ay, las dichosas hidden tracks, esos temas fantasma, pistas escondidas que deliberadamente se dejan fuera de la lista de temas, esa pista que generalmente se deja al final del disco y después de unos minutos empieza a sonar, lo que causa algún que otro sobresalto. hablo por supuesto de cuando escuchas música en formato físico; cuando en el vivilo ves un surco extremadamente largo sospechas, pero ¿y cuando esperabas que el cassette activase el auto reverse y de golpe sonaba otro tema? (Aviso: las palabras cassette y auto reverse existen, preguntad a vuetros hermanos mayores).
¿Cuáles son las razones? Experimentos sonoros, remezclas distintas y rarunas, cachondadas que no te apetece registrar,  versiones cuyos copyright te evitas (¿se puede? preguntadle a Mike Ness, que coló una versionaca de Under My Thumb de los Stones en el disco de Social Distortion White Light White Heat White Trash y no la registró). Hay que decir que ya la habían publicado antes en Mainliner, una colección de los primeros temas a principios de los ochenta de Social Distortion.

Que no se entere Jagger!!

La primera Hidden Track se considera Her Majesty, en la edición original de Abbey Road no aperecía, después de The End (prosaico y profético título) y 14 segundos suena esto



Otro motivo de inclusión de una pita oculta puede ser simplemente porque al cantante se le pone en los huevos grabar una versión y hace tragar al resto, ¿ejemplo de esto? Guns n Roses, que cuando grababan aquel incidente del espagueti se encontraron que a Axl se le había metido entre ceja y ceja meter el Look At your game Girl, tema (de mierda) grabado por el mismísimo Charles Manson en su disco  Lie, the love and terror cult. Al resto de gunners no les hizo ni puta gracia, pero ¿qué se puede hacer cuando Axl quiere algo? Darle algo a Axl, of course.

En algunos casos está al principio (pre-gap de la primera pista), y suelen ser ruidos, acoples, cuenta atrás o temas completos (Blind Melon en su maravilloso Soup metían uno titulado Hello Goodbye), pero, vaya, lo más normal es que vaya al final
Un caso curioso es Train In Vain, uno de los temas más famosos de the Clash que se convirtió en pista fantasma accidental, cuando decidieron incluirlo se había cerrado el diseño de portada y créditos del álbum. Los Clash no tenían intención de que fuese un corte oculto, pero si la portada estaba acabada no había nada que hacer, apuesto algo a que el hecho de que que el productor fuese Guy Stevens tuvo algo que ver en este desbarajuste (Guy Stevens, enorme personaje al que ya dedicaremos algún especial). Curiosamente fue éste su primer tema en entrar en los charts yankees, vamos, el comienzo del final.
The Clash, 1980. Ufffffff


viernes, 23 de marzo de 2012

PIONERAS DE CINE

Anteriormente en Carretera Perdida hemos hablado de mujeres que impusieron su ley en el muy masculino mundo del rockerío, pero cuesta aun más encontrar mujeres que se impusieron a ese patriarcado que fue (y sigue siendo) el mundo del séptimo arte, así que vamos a investigara estas pioneras del cine. ¿Quién se podría considerar como la pionera en dirección de cine?, pues como casi siempre hay discrepancias, pero se tiende a considerar a la francesa Alice Guy Blanché como la primera mujer que dirigió cine en 1986 con La Feria de las Coliflores (el argumento, como os podéis imaginar es propio de la época, una serie de planos de una feria hortícola, y aquí salen a colación fobias personales con la coliflor que ya relataré en otra ocasión); también era francesa Germaine Dulac, que formó parte de la vanguardia surrealista y del cine abstracto, y destacó como crítica de cine y arte; su obra más conocida es La souriante Madame Beudet (1923) . Y en Hollywood la primera mujer que dirigió fue Dorothy Arzner, que debutó detrás de la cámara con La Reina De La Moda, primer film americano dirigido por una mujer en 1927. Y por esa época empezaba a darse a conocer Leni Riefensthal, con La Luz Azul. Después se juntó con quien no debía, se hizo simpatizante del partido nazi, recibió carantoñas amorosas de Hitler y Goebbles (¿os podéis imaginar a lgo más siniestro?) y rodó la trilogía de Nuremberg (Victoria de la Fe, Triunfo de la Voluntad y Días de Libertad). Su vinculación al nazismo le persiguió durante  el resto de sus días que los dedicó en gran parte a la fotografía. El gobierno francés prácticamente la persiguió durante años hasta arruinarla, de manera que se pasó la vida pagando cara su vinculación al partido nazi. Cuando murió (a los 101 años!) seguía aun trabajando y preparaba una película sobre submarinismo. Sí, amigos, los submarinos otra vez, crearemos desde aquí un sub-género musical llamado submarine-rock, aquí va otra muestra, Black Keys que en su último y extraordinario disco, EL Camino, nos noquean con este, ora dulce, ora salvaje, Little Black Submarines.


THE BLACK KEYS, JEFAZOS

Seguimos con las pioneras del cine, y vamos con un personaje de lo más peculiar, Ida Lupino. Nacida en Londres comenzó su carrera como actriz a finales de la década de los 30, y durante los 40 intervino en distintas películas de la RKO, por ejemplo en el Último Refugio, con Humphrey Bogart. Durante esa época se la conoció como The Poor Man Bette Davis, la Bette Davis del pobre ( hay que ser retorcido para llamar a alguien así, pero si lo pienso detenidamente, tiene sentido, maldita sea). En 1949 dirige su primera película Not Wanted, sustituyendo al director titular que había caido enfermo; la experiencia la sedujo lo suficiente como para luchar por dirigir sus propios films y fue la única mujer que dirigió en Hollywood en esos años, presentando además al hombre como personajes caprichosos, peligrosos e irracionales, que es justo como aparecían las mujeres en el cine negro. Dirigió además uno de mis episodios favoritos de The Twilight  Zone, Las máscaras. Por si a alguien le interesan este tipo de datos (a mí, y no me preguntéis por qué, me pirran) fue la única persona que apareció en la serie como actriz y como directora.


La mejor serie de todos los tiempos, sin discusión.

Y por último hablamos de Maya Deren una pionera en el cine independiente y underground americano y un personaje de lo más apsionante. Nacida en Kiev, sus padres huyeron a los EEUU en los años 30, al parecer su padre tenía filias troskystas, y, bueno, le gustaba vivir, no le gustaba Siberia, etc . Estudió antropología, danza y pintura, y su primera obra cinematográfica fue un proyecto inacabado con Duchamp. Sus películas no se distribuían en cines, era ella la que hacía proyecciones y ponencias en universidades y museos. Su obra más famosa es Meshes in the Afternoon, del año 47. Maya Deren realmente abrió la puerta del cine independiente por donde luego se colaron buenas gentes como Sam Fuller o Cassavettes. Y una preciosa fotografía de Maya Deren fumándose un cigarrillo (sin filtro) ilustra la portada del disco de The Inmortal Lee County Killers llamada These Bones Will Rise To Love You Again, lo cual nos viene al pelo para recordar a una de las mejores bandas de blues garage crujiente con un nombre además de lo más sugerente. ILCK

miércoles, 14 de marzo de 2012

COMIC BOOKS AND ROCK N ROLL

El otro día moría Moebius, y me da pena hasta acercarme a mis cómics de Blueberry.
Moebius, junto a otros artistas franceses como, Jean-Pierre Dionet, Bernard Farkas y Phillippe Druillet crearon en 1975 una revista de comics de ciencia ficción llamada Metal Hurlant. Los yankees, (que siempre hacen lo mismo, los listos) la tradujeron y titularon Heavy Metal, y ha sido un referente durante años en el comic fantástico. En 1981 se realizó la película de animación que muchos recordamos con con una mezcla de cariño y cierto desasosiego, con esa extraña mezcla de antihéroes, sexo y violencia. Y es que la película es rara, y si esperas heavy metal en la banda sonora se te queda cara de póker; a ver, sí, aparecen Black Sabbath, pero abundan grupos como Cheap Trick, Sammy Haggard o Stevie Nicks (!) que tienen poco que ver con el Heavy, y bueno, cuando aparecían Devo ya la confusión era notable. Y digo yo, a un teenager, a un adolescente metido en el mundo del comic de fantasía y el heavy metal NO le hace falta más confusión, señores, ya bastante perdidos andábamos. Pero vaya desde aquí nuestro homenaje a Heavy Metal, gran revista y película recuperable, con aquel cartel de una señora con gran cardado rubio, blandiendo una espada a lomos de una extraña criatura alada. Y escuchamos uno de los temazos que aparecen en la banda sonora, Veterano of the Physic Wars de Blue Oyster Cult.

Moebius diseñó una preciosa portada para una recopilación francesa de Jimi Hendrix Voodoo Soup. La relación entre el comic y el rock n roll siempre ha sido fructífera, desde los años 50 encontramos portadas ilustradas por grandes del comic, como por ejemplo la mítica portada de Richard Corben para Bat out of Hell, de Meat Loaf; Charles Burns (el creador de Black Hole) con el Brick by Brick de Iggy Pop, o el trabajo del gran Robert Crump para el Cheap Thrills de los Big Brother and the Holding Company de Janis Joplin. También es muy famosa la portada del Surfing With the Alien, el disco de Satriani ,posiblemente el único disco instrumental de un guitarrista virtuoso que he escuchado entero,( y el único que escucharé) y posiblemente porque me pasé medio disco alucinando con la portada mítica y psicodélica con Silver Surfer.
Otro de los grandes Daniel Clowes (Ice Haven o Wilson) dejó su impronta en la portada de uno de los mejores discos de rock n roll de los 90, The Smoke Of Hell, de los Supersuckers, la autoproclamada Más grande banda de Rock N Roll del mundo, que incluía este bestial Cocktail Rider


Los Supermamones. Grandes!

Y para despedir me gustaría hablar de uno de los comics que más me marcaron en mi tierna adolescencia, The Crow, el Cuervo, de James O' Barr, posteriormente destrozado y mutilado de mala manera en la película de Brandon Lee. EL comic con esa estética gótica y oscura es bastante más crudo y siniestro y menos ñoño que la película, que ganó fama por la muerte durante el rodaje de Brandon Lee, hijo de Bruce Lee que completaba así la tragedia familiar. El bueno de Brandon ; si se hubiese tenido que ganar la vida como actor lo hubiera tenido complicado. De todas formas si algo tiene de bueno la película es la banda sonora, repleta de rock gótico e industrial, donde destacaba por encima de todo esta rotunda versión que Nine Inch Nails hacía del Dead Souls de Joy Division


¿Un poco de barro, Trent?





viernes, 9 de marzo de 2012

TOUGH WOMEN

Ayer fue el centenario del Dia Internacional de la Mujer, y bien sabemos que no solo en el ámbito social y laboral es donde se han visto continuas desigualdades; no es ningún secreto que el mundo del rock ha sido y es predominantemente masculino, y a pesar de suponérsele cierta mentalidad abierta lo cierto es que es terreno abonado para el sexismo más cazurro. Pero el papel de la mujer en el rock n roll siempre ha sido combativo e inconformista, y no solo desde el movimiento riot grrrrl, mucho antes nos encontramos con casos de rockeras que no se cortaron un pelo. Y uno de los casos más curiosos es el de las Shangri Las, un grupo que comúnmente se mete en el saco de bandas de chicas de los 60, de melodías bonitas, imagen hip y angelical y actitud intrascendente, cuando en realidad venían del barrio de Queens en NY y eran mujeres duras y en su día se les consideró muy chungas; grabaron con el productor George Morton (tipo raro, intimidante y extravagante como pocos) que intentó siempre que rebajasen el tono rebelde, pero que si quieres arroz, Catalina. Uno de sus mayores hits, The Leader Of The Pack, fue censurado por la BBC porque hablaba de la muerte del motero, y porque fomentaba el enfrentamiento entre rockers y mods (vaya por Dios!). La líder de las Shangri Las era Mary Weiss, que fue investigada por el FBI entre otras cosas porque le pillaron con una pistola en el equipaje, y ella dijo que siempre la llevaba por si alguien intentaba pasarse de la raya, Pocas bromas con Mary Weiss (por cierto, amigos, echadle una escucha al disco que grabó en 2007 con los Reiging Sound, Dangerous Game. cremita).


Mega Kitsch performance de estas tipas duras.

Y otra de las artistas que no se doblegaba ante nadie fue Wendy O Williams, la mítica cantante de los Plasmatics, una de las bandas punks americanas más entrañables. Wendy desde el principio fue una provocadora nata y una iconoclasta, y nunca mejor dicho, uno de los momentos más recordados era cuando empotraba un coche contra una montaña de TVs o cuando en los conciertos destrozaba aparatos de TV con un martillo pilón o una motosierra. Su afición al nudismo le trajo algún problema, como cuando el Milwaukee la policía la detuvo por escándalo público y al resistirse le partieron literalmente la cara. ¿se acobardó Wendy por esto? No, se sacó fotos con la cara molida a palos y denunció al departamento de policía de Milwaukee. Sus últimos días los dedicó a la rehabilitación de animales salvajes, antes de suicidarse de un tiro en 1998. Recordemos la colaboración que hizo con Motorhead en esta dulce y melodiosa versión del ñoño Stand By Your Man de Tammy Winette, en una genial vuelta de tuerca del mensaje original de quedarse en casita con el maridito y perdonarle todas sus faltas.



Almas gemelas, y Tammy Winette tirándose de los pelos.

Y no podemos irnos sin hablar de la más grande, Patti Smith, que desafió todas las normas habidas y por haber a finales de los 70. Poetisa y pintora convertida en punk rocker, habitual del Hotel Chelsea, donde se gestaba todo el underground neoyorkino, amiga íntima del fotógrafo Robert Mapplethorpe (Relación profusamente detallada en Eramos unos niños, editado por Lumen), casada con Fred Sonic Smith de MC5,y que grabó algunos de los discos más brillantes del punk americano. Con una imagen andrógina, tocando la guitarra sin tener ni idea y diciendo verdades como puños como en este Rock n roll Nigger, del álbum Easter del 78.


La jefa.

miércoles, 15 de febrero de 2012

TIME FOR CAKE AND SODOMY

White Trash get down on your kness
Time for Cake and Sodomy

 "Basura blanca, ponte de rodillas,  es hora del pastel y la sodomía" cantaba Marylin Manson en aquel lejano (lejanísimo) debut Portrait Of An American Family, cuando todavía era capaz de escribir burnas tonadas y provocar sin producir sonrojo. Y cuando tenía pelo. Ah, la sodomía, tantas veces mentada aunque sea de refilón, porque, hey, los que cantábais el Relax de Frankie Goes To Hollywood, ¿de qué pensabais que iba la cosa? Una de las más viejas
polémicas fue la del tema Back Door Man. Escrita por Willie Dixon y popularizada por Howling Wolf en 1961 siempre se ha comentado su significado y hay varias teorías. La más popular es que el Hombre de Puerta de Atrás es el lascivo amante de la señora que tiene que escabullirse por la puerta trasera para no ser visto. También se dice que iba por los músicos negros que tenían que usar la puerta de servicio cuando entraban a los estudios a grabar; pero si escuchamos por ejemplo la versión de los Doors (y sabiendo que Jim Morrison un sodomita redomado) podemos considerar al hombre de la puerta de atrás como, pues eso mismo, el hombre de la puerta de atrás. Escuchen la versión original de Howlin Wolf y opinen ustedes mismos.

El Hombre de la Puerta de Atrás
¿queda claro?

Unos que se han atrevido con casi todo son Sus Satánicas Majestades, que tienen este precioso tema llamado Cocksucker Blues ( el blues del lame penes).¿Y como acabaron haciendo una canción de temática tan digamos, cerdaca  os podréis preguntar; pues bien, los Stones estaban desde el principio de su carrera ligados contractualmente a Decca, con los que acabaron como el rosario de la aurora, por el viejo tema de royalties pagados tarde mal y nunca. Hartos de la situación esperaron a que expirase el contrato para formar su propia discográfica, Rolling Stones Records. Cuando parecía libres de obligaciones con Decca sorpresivamente aparecieron sus abogados diciendo que aún debían una canción a la discográfica a lo que Jagger y Richards respondieron brillantemente enviándoles el Cocksucker Blues, una canción con una letra absolutamente obscena en la que un chapero de provincias visita Londres deseoso de que un policía le practique una felación y un poco de sodomía también. Naturalmente los directivos de Decca se horrorizaron y nunca lanzaron el single, que permaneció como uno de esos secretos mal guardados en miles de piratas de los Stones. Bravo, Mick, bravo Keith. Escuchemos el blues del, ejem, del cocksucker.

Precioso blues, con hermosa letra





Y otros que nunca se han cortado un pelo a la hora de tratar temas escabrosos han sido los noruegos Turbonegro, herederos del Shock Rock de Alice Cooper y abanderados del rock escandinavo que nos sacudió a finales del milenio anterior. De hecho, el mejor album que salió de toda esa hornada es, sin duda, el Apocalypse Dudes de los noruegos. Con esa imagen entre glam punk y referencias homosexuales (el cuero y vaqueros, el gorro de marinero, puro Village People) se divertían con canciones que abordaban el tema de la sodomía tan alegremente. En el mencionado Apocalypse Dudes encontramos este inequívoco Randevouz with Annus.

Alpha Motherfuckers. Unos machotes.

viernes, 3 de febrero de 2012

MONSTER FROM OUTER SPACE. ROCK N ROLL Y SCI-FI

El pasado jueves comentábamos en Carne Cruda el libro “Predator VS. Einstein”, de Sergio Palacios, una cachondada sobre los rigores científicos en el cine fantástico (más bien la ausencia de los mismos). Y a propósito del tema (del tema de Predator, me refiero) salió a colación la relación Rock-Sci Fi, un matrimonio feliz. Y empezamos con nuestra mutación atómica favorita (porque tenéis que saber, amigos, que tenemos varias mutaciones atómicas entre nuestras favoritas), el bueno de Godzilla; una criatura que simbolizaba la obsesión y el miedo japonés a la bomba atómica, un bicho con aspecto de dinosaurio de cartón piedra surgido a partir de la radiación para destruir todo lo que se le ponga por delante (preferiblemente Tokio). La primera película fue rodada en 1954 y su enorme éxito propició innumerables secuelas en las que a veces Godzilla se convertía en el bueno y salvaba a los japoneses de otros monstruos, tipo Gidorah o Monthra. En otras ocasiones se levantaba de mal humor y arrasaba civilizaciones por algún motivo no siempre claro. En el encanto naif de estas películas no desaparece con los años, son divertidísimas, Serie B para echarse unas buenas risas, cine de palomitas y cerveza, vamos.
Y que en el Planeta Rock ha inspirado algunas buenas tonadas. Quizá la más famosa es la de Blue Oÿster Cult (a los que tendremos el gusto de ver este año en el Azkena) que en el Spectres del 77 se marcaban este vacilón tema titulado (tachán) …Godzilla


Go-go Godzilla!


Turno ahora para el mito del moderno prometeo, Frankenstein, la obra de Shelley que tanto influyó en el cine y sí, también en la música. New York Dolls se preguntaban si podrías enamorarte de Frankenstein, de NY y muy influenciados por las muñecas surgían a finales de los 90 los potentes Electric Frankenstein; Edgar Winter tiene una instrumental absolutamente brutal llamada, ahá, Frankenstein; pero si hay alguien que modeló la figura de Frankenstein y le dio otra dimensión ese es el ínclito George Clinton, que creó la figura del Dr Funkenstein en el disco de Parliament del 76 The Clones Of Dr Funkenstein; el maestro intergaláctico del funk del espacio exterior, capaz de curar cualquier enfermedad, porque, tal y como decía en la letra del tema que da nombre al personaje “The bigger the headache, the bigger the Pill”, y ya sabemos que de pastillas Clinton entiende, y mucho. Seguramente bajo los efectos de alguna también proclamaba Clinton que los clones del Dr Funkenstein habían codificado los secretos del Funk en las pirámides egipcias ¿es esto cierto?, ¿casualidad?, ¿serendipia?, que más da, qué importa eso cuando suenan Parliament de esta manera


Bestial entrada en escena.
The bigger the headache, the bigger the pill!


Y para rematar vamos con posiblemente la única banda que habló sobre vampiros, hombres lobo, marcianos, asesinos del espacio exterior, platillos volantes, zombies mutantes, zombies del espacio exterior, demonios… hablamos de los Misfits, uno de los precursores del punk estadounidense totalmente influenciados por el cine de terror y ciencia ficción de Serie B. Y poseedores de uno de los mejores logos de la historia, la gente de bien tiene o tuvo una camiseta de los Misfits con la calavera (la gente de bien y alguno que otro punk desfasado) Combinaban los Inadaptados un aspecto monstruoso con maquillaje fantasmal propio de Halloween, ese peinado de flequillo churretoso sobre la cara (los devilocks) y cuero negro, así como  una puesta en escena impactante; en directo en ocasiones salían de unos ataúdes cual muertos vivientes para después noquear a cualquiera que se les pusiese delante con un rock n roll ultra acelerado, una especie de Gene Vincent post nuclear. Musicalmente bebían tanto del punk coreable como del hardcore más berraco y nos dejaron decenas de himnos eternos, como estos adolescentes de marte, Teenagers from Mars.


A mí estos, de canijo, me daban MIEDO



miércoles, 1 de febrero de 2012

(ALGUNOS) PELAZOS. PARTE I

Ah, el pelo en el rocknroll, ese signo distintivo, ese grito de rebeldía, ese avatar de disconformidad y ese (oh, sí) terrorismo estético en ocasiones. Hablemos de pelazos que dan envidia, y empezamos, cómo no, con El Rey. Para vuestro humilde servidor, uno de los peinados definitivos es el que sacó Elvis en el Comeback Special del 68, ese tupé flexible de intenso negro zaíno, que siempre vuelve a su lugar a pesar de los meneos de Mr Presley. En general, el peinado de The King siempre fue estupendo, exceptuando su paso por el ejército y la última etapa pastillera, porque, amigos, el exceso no siempre es bueno.


P-E-L-A-Z-O

Los 60 trajeron la invasión de pelos largos con los grupos ingleses (hey, recordad que decían que los Beatles tenían el pelo muy largo...en el 63), y a finales de década los hippies llevaron la longitud capilar a extremos absurdos y a ratos risibles, ver a esos tipos con pelo ralo, calva incipiente y con la melena por la cintura, mmm, no, definitivamente no. Y la asimilación de peinados por parte de chicos blancos en esta época es un poco patética, como esos afros imposibles de Clapton por ejemplo. Afros blancos que molen, muy pocos, quizá Rob Tyner de MC5.

Así no, Eric. Así no.

Capítulo aparte merece El Duque Blanco, el tipo más camaleónico y con más cambios de look de la historia del rock. Veamos, un repaso rápido, sus inicios como mod, flequillo y permanente; paso al folk rock época The Man Who Sold The World, melena larga rubia y rizada; paso a Ziggy Stardust, ese mullet naranja imposible, el tupé de Heroes, esa peluca maravillosa en Dentro del Laberinto, en fin, marcando tendencia y fallando otras veces, igualito que con sus discos.

Sometimes you win, sometimes you lose...

Bien, si seguimos cronológicamente me temo que llega el turno de los 80 (oh dios mío, así es). Década aciaga en tantos aspectos (música, cine, moda) lo que peor pasa el examen del tiempo es la estética y en especial los peinados, acuordaos de Lihmal, Cindy Lauper o Rod Stewart (Rodo, ¿por qué?), o Boy George, en fin…
La mezcla de lycra, pieles, mechas y laca hizo mucho daño (mucho!), al medio ambiente y a la vista, por no hablar de los mullets, un peinado que en un trabajador metalúrgico de la antigua Checoslovaquia tiene un pase, pero ¿Bono? ¡por favor! Lo bueno de esta década fueron ese grupo de bandas que obsesionadas con la laca formaron parte del movimiento Hair Bands, término totalmente despectivo en su día (bueno, y hoy).  Grupos sin demasiado talento, eso es cierto, pero muy divertidos (Warrant, Pretty Boy Floyd, Winger) nacidos a la sombra del movimiento sleazy pero con un enfoque más popero y menos macarra, donde lo más importante eran los video clips, las chatis y el pelazo. Los reyes de este movimiento fueron Poison, cuya estética en sus primeros discos era como dirían en Spinal Tap, una pesadilla australiana, un exceso de color, brillo, maquillaje y laca, pero con canciones maravillosas, como este Nothing But A Good Time.


Poison; machos con mechas

Pronto más, los punks, los 90, los tintes, y (mmm sí) la alopecia.

jueves, 26 de enero de 2012

THERE'S A RIOT GOING ON. ¿ACTIVISMO Y ROCK N ROLL?

El activismo radical y música son dos mundos en principio no muy afines. Sobre todo si consideramos la música como divertimento, placer sensorial o afición intrascendente. Pero hay casos, amigos, hay casos. Hagamos historia; uno de los clanes revolucionarios más populares fueron los Motherfuckers, un grupo de afinidad anarquista, una suerte de banda callejera politizada. Formados en 1966 en el Lower East Side de NY por el pintor Ben Morea, proponían una revolución cultural como parte integrante de la vida, defendían la anarquía y la autodefensa armada (ay, esa fascinación americana por las armas). En 1968 durante una lectura del poeta Kenneth Koch un mienbro de los Motherfuckers se plantó frente a él y tras gritar su nombre le disparó con balas de fogeo (a lo que Koch, superado el susto, replicó : “Crece de una vez”). Meses después Valerie Solanas, escritora asociada con el movimiento, fue un poquito más lejos y disparó a Andy Warhol y a punto estuvo de cepillárselo. No andaba muy centrada la señorita Solanas; hay una película (I Shoot Andy Warhol) que cuenta -bastante bien- la historia.
Disparos aparte, los Motherfuckers organizaban cada miércoles en el Fillmore East de NY las Noches de la Comunidad, conciertos y conferencias de gente como por ejemplo los MC5 (politizados hasta el extremo por entonces), pero en diciembre del 68 las bestias de Detroit acababan de fichar por la multinacional Elektra y eso a los Motherfuckers no les hizo gracia, por lo que después de un concierto de lo más tenso, el grupo tuvo que salir por piernas mientras que el público les llamaba vendidos, cerdos o bastardos y quemaban su disco. Y yo me pregunto ¿cómo puedes quemar un disco que suena como esto?


Kick out the Jams, Motherfuckers!

Los MC5 estuvieron desde el principio muy involucrados con las Panteras Blancas que era un colectivo cultural de extrema izquierda, fundado entre otros por John Sinclair, manager de MC5. El grupo surgió como respuesta a unas declaraciones del líder de los Panteras Negras, Huey Newton; preguntado sobre qué podían hacer los blancos para apoyarles dijo “Fundar los Panteras Blancas” . Dicho y hecho, Huey; fundados en Detroit en 1968 propugnaban también una revolución contracultural, con mensajes ecológicos y “un mundo libre de prisioneros políticos”. También, y desde un punto de vista más mundano (y, qué queréis que os diga,más aplaudible) abogaban por “el rock n roll, droga y sexo en las calles y la supresión del capitalismo”. Aunque no se les conoce actos terroristas sí que estuvieron abiertamente involucrados en los disturbios de la Calle 12 de Detroit, que empezó como una redada policial rutinaria y acabó con cinco días de barrios enteros ardiendo, guerra de guerrillas, más de 50 muertos y el ejército tomando las calles con tanques. En America. En la Tierra de la Libertad. En 1968. Flipante. Además el FBI tenía fichado a Sinclair como potencial peligro subversivo y en 1969 le encarcelaron por llevar encima 2 porros de marihuana. La detención de Sinclair provocó un aluvión de movimientos de protesta; una de las más significativas fue la canción que John Lennon compuso para su álbum Some Time in New York, que años más tarde versionarían Blind Melon en su (maravilloso y) póstumo disco; Nico.


Shannon Hoon se acuerda de Lennon que se acuerda de Sinclair.


Y por último no acordamos de los Black Panthers, el Partido Pantera Negra de Autodefensa; fundado por Heuy Newton y Bobby Seale y que surgió como postura radical politizada del Black Power de finales delos 60, con una actitud casi (o sin casi) militarizada y una retórica abiertamente provocativa. Desde el principio esto les supuso la atención de las fuerzas del orden, y fueron numerosos los altercados y tiroteos entre panteras negras y policías. Otros casos tristemente célebres fueron la tortura y asesinato de Alex Rackley, miembro de los Black Panthers de California, acusado por el partido de ser confidente de la policía; o el asesinato de Betty Van Patter, contable de la organización, en el cual se cree que estuviero implicado el mismísimo Huey Newton. Pero quedémonos con lo positivo, no con la violencia, en esos tiempos confusos preguntémonos como hacía Marvin Gaye, ¿Qué está pasando, hermano? Whats happening, brother?


Apabullante, Marvin. Apabullante.